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  • Branding para Restaurante en Colima: Identidad Visual y Personajes para Fisgón Burger

    Un proyecto donde la identidad visual y la ilustración se juntan para darle carácter a una marca de hamburguesas con personalidad propia.

    Recuerdo bien el momento en que mi hermano Enrique Hernández me llamó para contarme que iba a abrir un restaurante dentro de la Cervecería de Colima — uno de los espacios más emblemáticos e icónicos de la ciudad. Lo primero que sentí fue emoción. Lo segundo, una presión muy particular: la de saber que el proyecto iba a ser mío, y que tenía que estar a la altura.

    Enrique no es alguien que improvise. Es el mismo detrás de Komunal Colima, un restaurante que ya había demostrado que sabe construir experiencias con identidad propia. Así que cuando me dijo “quiero que tú le des la cara a Fisgón Burger”, entendí perfectamente lo que eso significaba.


    La llamada de mi hermano que lo cambió todo

    Trabajar con alguien de tu familia tiene una dimensión diferente. No es solo un cliente — es alguien que confía en ti de una manera muy específica, y eso te obliga a dar lo mejor que tienes. Desde la primera conversación quedó claro el tono que Enrique quería para Fisgón Burger: directo, con humor, con identidad colimense. Algo muy distinto a la elegancia de Komunal, pero con la misma exigencia de fondo.

    Me puse a trabajar en el concepto gráfico completo: paleta de color, tipografía y un sistema visual que pudiera vivir en cualquier formato sin perder actitud. Según Wheeler (2018), las marcas más efectivas son las que logran traducir los valores internos de un negocio en un sistema visual coherente y memorable — y eso era exactamente lo que necesitábamos. Una identidad que hablara sola antes de que alguien leyera el menú, dentro de un espacio tan cargado de historia como la Cervecería de Colima.

    El logotipo fue el punto de partida. Pero lo que realmente encendió el proyecto fueron los personajes.


    Personajes, manteletas y un sistema visual con sabor colimense

    Los personajes fueron el corazón del proyecto. El principal tiene algo que lo hace inmediatamente memorable: una ambigüedad de especie que te detiene a mirarlo dos veces. Es una mezcla de mapache, gato y tezmo — así llamamos en Colima a la ardilla de tierra, ese animal pequeño y veloz que cualquier colimense reconoce al instante. No es exactamente ninguno de los tres, pero tiene algo de cada uno: la picardía del mapache, la expresión del gato y la energía nerviosa del tezmo. Ese personaje imposible de clasificar se convirtió en el rasgo más distintivo de toda la marca.

    Costa (2004) señala que los personajes de marca generan un vínculo emocional con el consumidor que los elementos abstractos difícilmente logran por sí solos — y un personaje que nadie sabe exactamente qué es, pero que todos recuerdan, hace exactamente eso.

    El sistema completo aterrizó en las manteletas del restaurante — el momento en que todo lo que habíamos construido dejó de ser un archivo en la computadora y se convirtió en algo que la gente toca, ve y lleva en la memoria. Personajes, paleta, tipografía y concepto gráfico unidos en un objeto cotidiano, dentro de uno de los espacios más queridos de Colima.

    Lo que más me sorprendió fue ver cómo esos mismos personajes trascienden el restaurante. En las ferias de alimentos donde Fisgón Burger monta presencia, las ilustraciones de los personajes se convierten en la ambientación gráfica completa del booth — desde la señalética hasta los elementos decorativos del espacio. El mismo tezmo que la gente ve en la mesa del restaurante aparece ahora en el stand, creando una experiencia visual coherente que invita a convivir de cerca con el chef y con toda la personalidad de la marca. Eso es lo que hace un buen sistema de identidad visual: no se queda en un solo formato, crece y se adapta sin perder su esencia.

    Puedes ver el resultado en Instagram: @fisgonburger.

    Si tienes un restaurante o negocio en Colima y quieres construir una identidad visual con carácter, escríbeme a [email protected] — me encantaría escuchar tu proyecto.


    Referencias

    Costa, J. (2004). La imagen de marca: Un fenómeno social. Paidós.

    Wheeler, A. (2018). Designing brand identity: An essential guide for the whole branding team (5th ed.). Wiley.

    ⚠️ [PENDIENTE — agregar galería de imágenes del proyecto: logotipo, personajes, manteletas y booth en ferias. Subir desde wp-admin → Medios.]

  • Retratos en vivo desde el Vive Latino 2026: ilustración contrarreloj en el festival más grande de México

    Retratos en vivo desde el Vive Latino 2026: ilustración contrarreloj en el festival más grande de México

    Hay experiencias que te marcan de por vida. Una de ellas fue el Corona Capital 2021: mi primera vez ilustrando artistas en tiempo real contrarreloj, en plena entrevista, de la mano de la revista Dónde Ir. Más de 20 retratos en dos días, en menos de 4 minutos cada uno, con el caos del festival como telón de fondo.

    Cuatro años después, Dónde Ir me invitó de nuevo. Esta vez el escenario era mucho mayor: el Vive Latino 2026, la 26° edición del Festival Iberoamericano de Cultura Musical. 80 mil personas por día en el Estadio GNP Seguros de la Ciudad de México, los días 14 y 15 de

    marzo.

    La dinámica fue la misma que aprendí en el Corona Capital: capturar la esencia de cada artista que llegaba a medios mientras el equipo de Dónde Ir los entrevistaba bajo sus luces y cámaras. Yo al lado, con el iPad Pro y el Apple Pencil Pro, sin tiempo para corregir, solo con impulso y ojo entrenado. El resultado: más de 16 ilustraciones en dos días, cada una un retrato instantáneo de un momento irrepetible.


    Los artistas ilustrados

    De la Carpa Little Caesars al Escenario Amazon, estos fueron los artistas que pasaron por el lápiz digital durante el VL26:

    Además se ilustró a Marita Bon de Telehit, y hubo un encuentro inesperado con Óscar Jiménez.


    El proceso en redes

    https://www.instagram.com/reel/DWHpnTpkjhI
    https://www.instagram.com/p/DWHn_eLGCoX
    https://www.instagram.com/reel/DV4tIuRDgGt/?igsh=eGV1czd3dWtxdGNt
    https://www.instagram.com/reel/DWE5wr5EiYZ

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  • #LaIlustraciónSePaga: cuando Colima alzó la voz por los derechos de los ilustradores en México

    #LaIlustraciónSePaga: cuando Colima alzó la voz por los derechos de los ilustradores en México

    La vez que la SEP quiso nuestra firma… pero no nuestro dinero

    Todavía estábamos en pandemia, el mundo entero de cabeza, y los ilustradores de México enfrentando —además de todo lo demás— una noticia que nos dejó con la quijada en el piso: la Secretaría de Educación Pública había lanzado una convocatoria para que diseñadores, ilustradores, fotógrafos y artistas visuales de todo el país crearan las nuevas portadas de los Libros de Texto Gratuito.

    ¿El pago? Una constancia con valor curricular y un ejemplar del libro.

    Nada más.

    Como lo documentó Sopitas.com en ese momento, además de la constancia, al participar cedías a la SEP los derechos patrimoniales de tu obra, sin restricción alguna y sin un solo peso a cambio. Y esto mientras la Conaliteg manejaba ese año un presupuesto de más de tres mil millones de pesos, como señaló entonces Milenio — lo que significaba que con menos del 1% alcanzaba para pagar dignamente a los ilustradores de 42 libros de primaria.

    La respuesta del gremio fue inmediata. Según Liberal del Sur, diseñadores de todo el país lanzaron el hashtag #Anticonvocatoria e inundaron redes con portadas fake de los libros como forma de protesta. La Asociación Mexicana de Ilustradores convocó a no participar. La Red Sociedad de Tinta exigió que la convocatoria fuera retirada y reemplazada por una con paga justa. Los hashtags #LaIlustraciónSePaga y #NoVivimosDelAplauso se volvieron tendencia.

    Y yo, desde acá en Colima, no me podía quedar callado.

    Desde Colima con el micrófono encendido

    Me contactaron de IMER Noticias — radio pública, de alcance nacional — para hablar sobre la controversia. Y dije lo que pensaba, lo que pensamos todos:

    «Vemos que se menosprecia la industria del artista, que no se ha hecho mucho en cuanto a inversión pensada y analizada en cuanto a la industria creativa y toda la economía naranja que se puede aprovechar para este país. Vemos que también la ilustración es este medio de comunicación que puede funcionar y que no se aprovecha.»

    Lo sigo sosteniendo hoy, palabra por palabra.

    Porque el problema no era solo esa convocatoria. Era el síntoma de algo más grande: la idea —arraigada, cómoda, conveniente para quien no crea— de que el arte se hace por amor y por lo tanto no necesita sueldo. Que una constancia es suficiente. Que con el crédito en la portada ya quedamos a mano.

    No. No quedamos.

    Einar Salcedo, presidente de la AMDI, lo dijo muy claro en esa misma nota de IMER: si el Estado —que debería ser el primero en poner el ejemplo— lanza convocatorias así, lo que está haciendo es legitimar malas prácticas contra todos nosotros. Y Bernardo Fernández BEF lo puso todavía más directo: esto no solo nos niega como profesionales, reduce nuestro trabajo a «hacer dibujitos». Una postura, dijo, hasta chantajista.

    Me alegra haber estado ahí. Me alegra que la voz de Colima haya sumado a ese coro nacional. Y me alegra que el gremio haya respondido con dignidad, creatividad y sin bajar la guardia.

    ¿Ya lo habías leído? ¿Estabas en ese debate también? Cuéntame abajo — y si quieres escuchar el audio de la entrevista completa, está justo aquí: 🎙️ IMER Noticias — Creadores rechazan convocatoria de la SEP

    Porque recordar también es resistir.

    Fuentes consultadas

  • Arte artesanal en Colima: el diseño detrás de Komunal Restaurante

    Arte artesanal en Colima: el diseño detrás de Komunal Restaurante

    Algunos objetos nacen para durar. Otros, para vivir intensamente y romperse. La serie de platos artesanales oaxaqueños que formó parte del proyecto decorativo del restaurante Komunal, en Colima, pertenece a esa segunda categoría — y eso, lejos de ser una tragedia, es exactamente lo que los hace memorables.

    Cuando un plato deja de ser un plato

    Todo comenzó con una pregunta sencilla: ¿qué pasa cuando un objeto utilitario se convierte en lienzo? Los platos de esta serie — elaborados principalmente en Oaxaca de forma completamente artesanal — llegaron a Komunal no como vajilla de servicio, sino como piezas únicas que dialogaban con la comida, con el espacio y con quien los miraba.

    Cada uno tiene una personalidad imposible de replicar. Hay platos de barro negro vidriado con rostros trazados en línea blanca continua — un ojo grande y expresivo que ocupa el centro, una boca apenas esbozada, una nariz que parece flotar — con esa energía directa que recuerda a Picasso pero huele a mercado de Tlacolula. Otros, en negro profundo, muestran manos que abrazan aves en vuelo, trazadas con esa generosidad gestual que solo da el pincel mojado sobre arcilla cruda. Según García Canclini (1990), las artesanías mexicanas funcionan precisamente en esa tensión entre lo funcional y lo simbólico, entre el objeto de uso y la expresión de una identidad cultural que se resiste a desaparecer.

    Los colores también narran. El barro rojo de Oaxaca aparece en una pieza donde líneas blancas irradian desde el centro como una flor silvestre o una explosión detenida en el tiempo. El negro con espirales rosas — ojos que se multiplican, se enroscan, se miran entre sí — tiene una energía casi prehispánica, como si el diseñador hubiera escuchado a los códices antes de pintar.

    Plato de barro negro oaxaqueño con rostro abstracto pintado a mano, restaurante Komunal Colima

    La fragilidad como parte del proyecto

    Varios de estos platos ya no existen. Colgados en las paredes del restaurante, cayeron al piso y se hicieron mil pedazos. Y sin embargo, esa posibilidad de ruptura estaba inscrita en el proyecto desde el principio — porque ninguno fue diseñado para la eternidad, sino para el presente vivo de un restaurante que los necesitaba aquí, ahora, en conversación con los comensales.

    Hay algo profundamente honesto en eso. Como señala Turgeon (2003), los objetos cotidianos adquieren su mayor carga significativa precisamente cuando son usados, expuestos al riesgo, integrados en la vida real en lugar de preservados bajo campanas de vidrio. Komunal no los trató como reliquias — los hizo trabajar. Los puso a la altura de los ojos, los cruzó con la luz de la tarde, los dejó convivir con el olor del mole y el ruido de las conversaciones.

    Los que sobreviven descansan ahora con esa dignidad tranquila de quien cumplió su misión. Los que se rompieron dejaron algo más difícil de cuantificar: la memoria de haber estado ahí, de haber formado parte de una experiencia gastronómica que entendió que el arte no decora la vida — la es.

    La relación entre soporte y dibujo también es clave. El color oscuro de varios platos permite que los trazos claros destaquen con alto contraste. En otros, como el plato rojo, el dibujo se integra más suavemente al fondo, produciendo una lectura más orgánica. El borde del plato y su concavidad influyen en la percepción: el centro actúa como núcleo visual, mientras el perímetro se convierte en espacio narrativo.

    Otro elemento importante es la economía formal. Las imágenes se construyen con muy pocos elementos: ojos, bocas, manos, puntos, círculos o líneas radiales. Estos signos básicos activan la lectura simbólica del espectador. Un ojo central, por ejemplo, convierte el plato en una especie de rostro o máscara; múltiples ojos generan una sensación orgánica, casi microscópica; las líneas radiales evocan semillas, flores o explosiones. En todos los casos el plato funciona como marco circular natural, reforzando la composición.

    El hecho de que muchos de los platos provengan de producción artesanal oaxaqueña agrega otra capa estética: cada pieza tiene imperfecciones, variaciones de esmalte, grietas o huellas de uso. Estas irregularidades no se ocultan; al contrario, forman parte de la obra. La intervención gráfica se integra a esa historia material del objeto.

    Plato de barro negro oaxaqueño con rostro abstracto pintado a mano, restaurante Komunal Colima

    Hay además una dimensión interesante en el destino y la fragilidad de las piezas. Algunos platos desaparecieron o se rompieron al caer mientras estaban colgados en el restaurante. Esa condición efímera transforma el proyecto en algo cercano a una instalación viva: piezas que nacen de objetos cotidianos, se exhiben en un espacio de comida y eventualmente regresan a la destrucción o al desgaste. En ese sentido, el proyecto dialoga con la naturaleza temporal de la cocina misma.

    Si la próxima vez que visitas un restaurante sientes que algo en las paredes te mira de vuelta, quizás sea porque alguien tuvo el buen criterio de colgar un plato oaxaqueño donde debería haber ido un cuadro. Visita Komunal en Colima y descubre cómo se ve cuando la cocina y el arte comparten el mismo espacio.

    Referencias

    García Canclini, N. (1990). Culturas híbridas: Estrategias para entrar y salir de la modernidad. Grijalbo.

    Turgeon, L. (2003). Patrimoines métissés: Contextes coloniaux et postcoloniaux. Éditions de la Maison des sciences de l’homme.


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  • Retos de ilustración: murciélagos y creatividad en pandemia

    Retos de ilustración: murciélagos y creatividad en pandemia

    Las ilustraciones capturan la fuerza, el poder y la gracia de este animal, que es un símbolo de trabajo duro, determinación y prosperidad en la cultura china. Este proyecto está dedicado al signo del zodíaco chino del toro. Muestra diferentes ejercicios de representación del toro, incluyendo representaciones realistas y diseños estilizados.

    Entre dientes y vampiros

    Este proyecto de ilustración lúdica captura el espíritu de creatividad y resiliencia en tiempos difíciles. A través de dibujos caprichosos de diversas especies de murciélagos, explora de manera alegre y accesible las conexiones entre estos animales y el COVID-19. Las ilustraciones celebran la belleza y diversidad de los murciélagos, al mismo tiempo que reconocen los retos que ha planteado la pandemia.

  • Diseño de personajes: ilustración vectorial con elementos culturales mexicanos

    Diseño de personajes: ilustración vectorial con elementos culturales mexicanos

    Este proyecto multifacético demuestra la versatilidad de la ilustración vectorial para crear obras vibrantes y detalladas. Incluye una variedad de fanarts y trabajos académicos que representan personajes extravagantes y elementos culturales propios de México. Las piezas destacan por su uso de colores intensos y diseños que ponen en valor la singularidad y belleza de esta cultura.

  • Grabados, esculturas y diseño de objetos: arte original de Carlos Chak Hernández

    Grabados, esculturas y diseño de objetos: arte original de Carlos Chak Hernández

    Una colección de arte única que incluye grabados, esculturas y diseño de objetos. Cada pieza transmite un mensaje específico con técnicas y materiales diversos, reflejando la versatilidad del artista y ofreciendo una perspectiva innovadora sobre la expresión artística.

    La intención de la producción es crear piezas que sean tanto estéticamente atractivas como funcionales, utilizando técnicas y materiales diversos. Cada pieza es única y original, con una historia detrás de su creación.

    El objetivo es explorar la creatividad y la expresión artística a través de diferentes formas de arte, y compartir estas creaciones con el mundo. ¡Espero que esto te haya dado una buena idea del proyecto!

  • Revela Carlos Hernández López “15 tesoros detrás de la máscara” en Museo Regional de Colima

    Revela Carlos Hernández López “15 tesoros detrás de la máscara” en Museo Regional de Colima

    (Del baúl del recuerdo)

    El 13 de noviembre de 2014, se inauguró exitosamente la exposición «15 tesoros detrás de la máscara» del diseñador Carlos Hernández López en el Museo Regional de Historia. Esta muestra está inspirada en elementos de la cultura local.

    Dos obras de arte enmarcadas en una pared amarilla, tituladas '15 TESOROS DETRÁS DE LA MÁS CARA', con un estilo colorido y figuras abstractas.
    Dos obras de arte enmarcadas en una pared amarilla, tituladas ’15 TESOROS DETRÁS DE LA MÁS CARA’, con un estilo colorido y figuras abstractas.
    A gallery event with a speaker addressing an audience in front of a colorful exhibition wall, featuring a display titled '15 tesoros detrás de la máscara' by Carlos Hernández.
    ’15 tesoros detrás de la máscara’ by Carlos Hernández.

    Durante la inauguración, el rector de la Universidad de Colima, José Eduardo Hernández Nava, disfrutó las obras del joven creador, destacando que los acrílicos presentaban una serie de rostros y expresiones que capturaban la esencia de la memoria involuntaria. Subrayó que los quince acrílicos reflejan el «imaginario subjetivo» de iconos cotidianos que captan la atención del espectador.

    Entre las obras destacadas se encuentran «La Petatera», «Los Chayacates», «Salinas de Cuyutlán», «Rangel Hidalgo», «Comala», «El son de la iguana» y «Los Danzantes», caracterizadas por sus colores intensos y trazos fluidos.

    Alfonso Cabrera Macedo, subdirector general de Patrimonio Cultural de la UdeC, alabó la fusión de arte y diseño gráfico en el trabajo de Hernández López, resaltando su alto nivel comunicativo. Felipe Delgado Carrillo, director de Museos y Patrimonio, destacó la colaboración entre la UdeC, el INAH y la Secretaría de Cultura, y elogió el talento y compromiso del artista.

    A man wearing glasses and a black suit stands beside two colorful paintings on a vibrant yellow wall, gesturing as he talks.

    En una entrevista, Carlos Eduardo Hernández López mencionó que su colección, que le tomó aproximadamente un año completar, representa los tesoros culturales y arqueológicos de Colima a través de una selección y transformación iconográfica. Este proceso implicó la cuidadosa elección de elementos representativos de la región para ser reinterpretados artísticamente. Hernández López señaló que cada pieza de la colección busca capturar la esencia histórica y artística de Colima, abarcando una variedad de artefactos y representaciones que incluyen figuras precolombinas y símbolos contemporáneos.

  • Renovar una historia: propuesta de rebranding para la Universidad de Colima

    Renovar una historia: propuesta de rebranding para la Universidad de Colima

    La Universidad de Colima, fundada en 1940, constituye uno de los referentes educativos y culturales más sólidos del occidente mexicano. Su escudo institucional —compuesto por el águila, el libro y la antorcha— ha funcionado históricamente como una representación simbólica de valores como la voluntad, la ciencia y la sabiduría. Sin embargo, los desafíos que plantea la comunicación visual en la era digital exigen una revisión crítica de los emblemas institucionales y su adaptabilidad a nuevos soportes y audiencias.

    Ante esta necesidad, se desarrolló una propuesta de rebranding para la Universidad de Colima que, sin alterar los elementos esenciales del escudo original, busca mejorar su legibilidad, funcionalidad y coherencia visual. La intervención consistió en simplificar trazos, ajustar proporciones y modernizar el sistema tipográfico, conservando el peso simbólico y el sentido histórico del emblema. El rediseño fue concebido como un sistema gráfico aplicable en distintos entornos: impresos, digitales y operativos, con el objetivo de mantener la unidad visual sin perder flexibilidad.

    Áreas de oportunidad

    El rediseño tuvo como objetivo principal analizar las áreas de oportunidad presentes en la composición del escudo institucional. Uno de los primeros ajustes consistió en eliminar los aros decorativos que rodeaban al águila, lo cual permitió aumentar su tamaño en aproximadamente un 8% y mejorar significativamente su legibilidad. Esta decisión estratégica no solo amplificó la presencia visual del símbolo, sino que facilitó su lectura en formatos de pequeña escala. Además, se corrigieron varios elementos visuales que, en versiones anteriores, habían sido producto de una vectorización rápida realizada en software como CorelDRAW, lo que provocaba inconsistencias gráficas. Las alas y la cola del águila fueron simplificadas con el fin de otorgarle mayor contundencia formal —mayor bold visual— sin perder su carácter simbólico. En cuanto al uso del color, se respetó la paleta institucional original, manteniendo los tonos en ocre bronce, gris neutro y verde bandera. Esta decisión reafirma la continuidad histórica de la identidad visual, al tiempo que moderniza su expresión para adaptarse mejor a los entornos digitales.

    Este proyecto no pretende romper con el legado institucional, sino proyectarlo hacia el futuro mediante un lenguaje gráfico más claro y eficaz. Tal como señala Chaves (2003), una identidad visual efectiva no se define por su antigüedad, sino por su capacidad de mantenerse significativa a través de sus transformaciones y contextos de uso.

    En ese sentido, esta propuesta de rediseño plantea una reflexión crítica sobre el papel del diseño gráfico en el fortalecimiento del sentido de pertenencia y la legitimidad institucional. A través de una identidad visual adaptada a las exigencias contemporáneas, se busca contribuir a una comunicación universitaria más coherente, accesible y emocionalmente vinculante con su comunidad.

    Para terminar

    • ¿En qué medida una renovación visual puede fortalecer los vínculos simbólicos entre una universidad y su comunidad académica?
    • ¿Cómo equilibrar el respeto por los símbolos tradicionales con las exigencias de claridad visual y uso digital?
    • ¿Qué implicaciones éticas y culturales conlleva rediseñar una identidad gráfica institucional con fuerte carga histórica?
    (más…)